Aliran Seni Lukis Realisme

1. Melukis apa yang ada di dunia nyata

Realisme tumbuh sebagai penolakan terhadap aliran Romantisme yang selalu menampilkan adegan dari imajinasi sang pelukis.

Seniman Realisme hanya melukis “hal-hal nyata”. Aliran ini menghindari tema yang mengandung hal-hal fiksi misalnya mitos, ramalan, cerita keagamaan, dan imajinasi sang seniman.

2. Bertema rakyat kelas bawah dan realita kehidupan mereka

Aliran Realisme menolak anggapan tradisional bahwa karya lukis terbatas hanya menampilkan adegan yang historis dan dramatis saja.

Bagi seniman Realisme, kehidupan sehari-hari adalah sesuatu yang pantas untuk dilukiskan.

Tema lukisan Realisme selalu menampilkan keseharian petani dan masyarakat kelas pekerja, kehidupan jalanan di kota, serta aktivitas bar dan hiburan rakyat jelata lainnya.

3. Tidak mendramatisir / mengidealkan subjek lukisan

Seniman Realisme berusaha menggambarkan “kenyataan objektif”, yaitu hal-hal yang memang ada di lingkungan sekitarnya.

Bertolak belakang dengan Romantisme, aliran Realisme menampilkan sisi “lain” masyarakat, misalnya: 

• Pemandangan kesengsaraan masyarakat di abad ke-19
• Subjek dengan sosok yang kotor, kurus atau renta
• Penggunaan warna yang gelap dan bersahaja

Lukisan Realisme tidak lagi menampilkan corak ideal Romantisme yang dibuat berdasarkan imajinasi pelukis.

Adegan yang dramatis dan heroik digantikan oleh penggambaran aktivitas sehari-hari masyarakat kelas bawah. Begitu pula dengan adegan yang mengandung sosok telanjang diperlihatkan apa adanya.

4. Mengandung pesan sosial politik

Golongan masyarakat bawah yang muncul di karya Realisme seringkali merupakan “pesan” dari sang seniman.

Kaum pekerja yang kotor dan berantakan ditampilkan secara syahdu, anggun dan bersahaja. Kerja keras mereka ditunjukkan sebagai sesuatu yang mulia dan digambarkan selayaknya lukisan historis yang megah.

Selain itu, seniman Realisme juga terkadang menggunakan pemilihan subjek tersebut untuk menyindir kebiasaan-kebiasaan kaum bangsawan di abad ke-19.

Gustave Courbet adalah tokoh sentral dari kemunculan Realisme di abad ke-19.

Courbet lahir di kota kecil Ornans yang dikelilingi pemandangan indah. Courbet kecil tumbuh dengan menyenangi berbagai aktivitas di pedesaan, seperti mandi di sungai dan bermain di padang rumput milik keluarganya.

Kedekatannya dengan kehidupan desa dan warga yang hidup di sana bisa jadi berpengaruh saat ia dewasa. 

Courbet memegang teguh rasa tidak suka terhadap struktur yang ditetapkan Akademi Kerajaan di Perancis. Ia menolak corak Klasikisme dan Romantisme yang mengagungkan adegan dramatis dan teatrikal.

Sebagai gantinya, Courbet bersikeras hanya mau melukiskan apa yang bisa dilihat secara nyata. Bahkan sekalipun realita tersebut ternyata buruk rupa dan kotor.

Karya-karya Courbet seringkali mengundang kontroversi bagi masyarakat Perancis di abad ke-19. Ia menantang tradisi seni yang berlaku dengan menampilkan masalah-masalah sosial dalam karyanya.

Seniman Realisme ini memilih subjek lukisan yang dianggap vulgar di masa tersebut. Misalnya rakyat desa, petani, dan buruknya kondisi kerja orang-orang miskin. Apalagi subjek “rendahan” itu disajikan dalam skala besar yang dikhususkan untuk lukisan historis dan religius.

Sebagai pendukung Republik, lukisan-lukisan Realisme merupakan media bagi Courbet untuk mengangkat derajat petani dan rakyat kecil dari tempat asalnya. Prinsip-prinsip tadi membuatnya dikenal sebagai tokoh yang lukisannya selalu menampilkan kenyataan hidup yang pahit.

Sebagai seniman, Courbet menolak untuk bergantung sepenuhnya pada sistem pameran seni yang dijalankan negara. Ia mempelopori munculnya pameran tunggal yang independen, tapi tetap menguntungkan secara komersial. Pendekatan ini diikuti banyak seniman yang tidak mau lagi mengekor kepada aturan Akademi Kerajaan.

Walaupun seorang pelukis, Courbet dianggap sebagai inovator karena mendobrak tradisi lama. Karya-karyanya yang membuat pernyataan berani dinilai penting bagi seniman-seniman di masa berikutnya.

Courbet menganut paham Sosialisme dan aktif terlibat dalam perkembangan politik Perancis. Ia sempat dipenjara karena keterlibatannya dengan Komune Paris, dan akhirnya diasingkan di Swiss hingga tutup usia.

Lukisan Realisme The Stone Breakers (1849-1850) & Analisisnya

Lukisan The Stone Breakers menimbulkan sensasi besar saat pertama kali dipamerkan di Salon (pameran resmi Akademi Kerajaan) tahun 1850. 

Sebagai karya Realisme, The Stone Breakers menampilkan adegan kehidupan sehari-hari: 2 orang petani yang sedang bekerja memecah batu. Lukisan ini bertujuan untuk menunjukkan betapa kerasnya pekerjaan yang dijalani rakyat miskin.

Courbet dengan sengaja tidak menampilkan wajah seorangpun dalam komposisi lukisan. Petani-petani tersebut menyimbolkan “orang biasa” dan ditujukan supaya khalayak umum bisa bercermin dari sosok mereka.

Lukisan ini diinspirasi dari pemandangan yang dilihat Courbet dalam perjalanannya kembali dari Ornans. Ia menyaksikan petani-petani yang sedang membanting tulang untuk memecah batu di pinggir jalan.

The Stone Breakers dipandang sebagai mahakarya Courbet yang pertama. Sayangnya lukisan ini rusak karena peristiwa pengeboman di Dresden oleh Tentara Sekutu pada tahun 1945.

Lukisan A Burial at Ornans (1849-1850) & Analisisnya

A Burial at Ornans adalah salah satu karya paling penting Gustave Courbet. Lukisan ini mendokumentasikan prosesi pemakaman paman Courbet yang dihadirinya di tahun 1848.

Dalam lukisan historis, biasanya seniman menyewa model sebagai pemerannya. Tapi Courbet mengatakan ingin melukis orang yang sama dengan yang melayat saat prosesi terjadi. Hasilnya adalah penggambaran yang sangat realistis dari kehidupan di Ornans, dan dari tiap-tiap tokoh.

Lukisan A Burial mendapat pujian sekaligus kecaman, baik dari kritikus maupun masyarakat luas, karena mengusik tradisi lama.

Courbet melukis dalam ukuran 3,15 x 6,65 meter untuk A Burial, hampir 3 kali lipat dibanding ukuran lukisan biasanya.

Ukuran tersebut hanya boleh dipakai untuk melukis tema historis, sementara Courbet menggunakannya untuk peristiwa “sehari-hari”. 

A Burial dipandang sebagai “lukisan biasa” yang ingin masuk ke ranah “lukisan agung”. Mirip seperti orang bersepatu kotor yang memaksa masuk ke pesta bangsawan.

Lukisan ini juga dicela karena “kurang sentimentil”. Para peziarah tidak menampakkan pose teatrikal yang mencerminkan perasaan sedih. Wajah subjek-subjeknya terlihat seperti karikatur, bukannya dilukiskan dengan ekspresi mulia.

Tapi perlahan masyarakat mulai tertarik dengan pendekatan aliran Realisme. Corak Romantisme yang menggambarkan kemewahan, kenikmatan dan fantasi kehilangan popularitasnya.

Courbet menanggapinya dengan mengatakan, “Lukisan Pemakaman di Ornans pada kenyataannya adalah pemakaman untuk aliran Romantisme.”

Gustave Courbet kemudian menjadi sosok terkenal. Banyak orang memujanya sebagai jenius, walaupun sebagian yang lain menyebutnya sebagai “orang tidak beradab”.

Tapi Courbet malah terus mengompori supaya publik menganggapnya sebagai petani yang tidak terpelajar, sementara karya-karya yang dihasilkannya terus menaikkan ketenarannya.

Sebagai seniman Realisme, Courbet sangat aktif dalam perkembangan politik di Perancis. Setelah orang-orang mulai mengenalnya dari karya-karya Realisme, Courbet menyuarakan ide-ide demokrasi dan Sosialisme. Wajahnya seringkali dibuat karikatur oleh media massa Perancis.

Edouard Manet adalah salah satu pelukis awal yang mengembangkan gerakan seni Realisme di Perancis.

Manet lahir di keluarga kelas atas. Ibunya memiliki garis keturunan keluarga putra mahkota Swedia, sementara ayahnya adalah seorang hakim di Perancis.

Orangtuanya mengharapkan Manet berkarir di bidang hukum. Tapi Manet tumbuh dengan kesukaan terhadap seni. Setelah 2 kali gagal dalam ujian masuk Angkatan Laut, akhirnya keinginan Manet untuk mempelajari seni diperbolehkan oleh ayahnya.

Dalam berkarya, Manet ingin memperbaharui dunia lukis dengan memasukkan konten baru ke dalam wadah yang sudah ada.

Ia memiliki sensitivitas tinggi terhadap tradisi historis, tapi digabung dengan sudut pandang baru dari Realisme. Gabungan kedua hal tersebut dianggap sebagai penyebab berbagai skandal yang muncul dari lukisannya.

Berkebalikan dengan karya-karyanya yang memancing kontroversi, Manet berpendapat para pelukis sebaiknya tetap berusaha karyanya bisa dipamerkan di pameran resmi Akademi Kerajaan. 

Tapi saat karyanya tidak diterima di tahun 1867, Manet terpaksa mengadakan pamerannya sendiri. Ibu Manet khawatir ia akan membuang-buang harta warisannya, karena acara pameran membutuhkan biaya yang sangat besar.

Pameran Manet saat itu mendapat ulasan buruk dari banyak kritikus, tapi usahanya tidaklah sia-sia. Di sana ia berkenalan dengan beberapa pelukis Impresionisme yang berpengaruh di kemudian harinya. 

Seniman-seniman Impresionisme mendapat inspirasi dari Manet lewat teknik alla prima di lukisan-lukisannya. Tapi sebaliknya, Manet juga mengadaptasi corak Impresionisme ke dalam berbagai karya selanjutnya.

Di pertengahan umur 40, kesehatan Manet mulai menurun karena penyakit sifilis. Sejak itu ia hanya membuat lukisan ukuran kecil dan jarang menciptakan karya berukuran besar lagi.

Karya besar terakhirnya adalah A Bar at the Folies Bergere (1822) yang berhasil dipamerkan dalam pameran resmi Akademi Kerajaan.

Komplikasi penyakit sifilis yang diderita Manet menyebabkan kaki kirinya harus diamputasi pada April 1883. Ia meninggal 11 hari setelahnya dan dikuburkan di Pemakaman Passy, Paris.

Gambar lukisan Luncheon on the Grass karya Edouard Manet bisa dilihat di sini:

https://mostlybraindump.com/kerajinan/wp-content/uploads/sites/8/2021/12/08b-Edouard-Manet-Luncheon-on-the-Grass.jpg

Lukisan Luncheon on the Grass (1863) dan Keterangannya

Lukisan Luncheon on the Grass menjadi pusat pembicaraan dalam pameran Salon des Refusés 1963. Sangat mudah dibayangkan kenapa kaum bangsawan terkejut saat melihat karya ini.

Manet menampilkan sosok wanita telanjang yang jujur, tidak digambarkan dengan tubuh ideal. Sang wanita sedang berinteraksi dengan santai bersama 2 pria berpakaian rapi dan terlihat seperti bangsawan.

Pandangan wanita tersebut menatap ke arah pengamat lukisan, seolah Manet menantang langsung batasan estetika dan etika publik.

Komposisi lukisan Realisme ini dianggap terinspirasi dari karya seniman Renaisans seperti Giorgione dan Raimondi. Tapi pengaruh karya-karya maestro tersebut dipatahkan oleh Manet melalui penggunaan sumber cahaya yang tidak natural dan perspektif yang kurang tepat.

Gambar lukisan Luncheon on the Grass karya Edouard Manet bisa dilihat di sini:

https://mostlybraindump.com/kerajinan/wp-content/uploads/sites/8/2021/12/08c-Edouard-Manet-Olympia.jpg

Lukisan Olympia (1863) dan Keterangannya

Dalam lukisan Olympia, Manet menantang kaum bangsawan dengan realita yang menjadi rahasia umum saat itu: prostitusi dari wanita kelas bawah. 

Karya ini sengaja dibuat provokatif dan sekali lagi Manet berhasil mengejutkan pengamat lukisannya di pameran Salon 1865.

Olympia mengambil referensi dari Venus of Urbino (1538) karya Titian dan Maja Desnuda (1799-1800) karya Goya. Semua lukisan tersebut masuk ke dalam golongan lukisan “boudoir” (menampilkan kecantikan sensual dari tubuh subjek), tapi Olympia memberikan potret seorang wanita yang tidak malu menunjukkan tubuhnya.

Kebanyakan pengamat menganggap Olympia adalah penggambaran visual dari puisi tulisan Baudelaire yang berjudul Les Fleurs du Mal (1857). Hal ini ditunjukkan dari elemen di dalam lukisan, misalnya kucing hitam yang menyimbolkan prostitusi dalam puisi Baudelaire.

Lukisan A Bar at the Folies Bergere (1822) dan Analisisnya

Lukisan A Bar at the Folies Bergere adalah mahakarya terakhir dari Manet yang kesehatannya sudah menurun.

Karya ini menampilkan cafe yang populer, Folies-Bergere, dengan beragam pengunjungnya. Suasana yang ramai direfleksikan pada cermin di belakang sosok utama lukisan. Pantulan tersebut terdistorsi, Manet melakukannya untuk membedakan antara mana yang “nyata” dan “buatan”.

Pelayan wanita yang berada di tengah komposisi menunjukkan penampilan yang sedih dan lelah. Pandangan matanya menghindari pengamat lukisan yang diposisikan sebagai pelanggan bar dalam adegan ini.

Di atas meja bar terletak serangkaian objek still-life yang terdiri dari botol minuman keras, bunga dan jeruk. Susunan ini seolah meramalkan Manet akan menghabiskan 2 tahun terakhirnya dalam hidupnya hanya dengan melukis still-life.

Jean-Francois Millet dikenal dengan lukisan-lukisan petani yang sedang mengerjakan ladang dan konteks keagamaan yang ada di dalam karya tersebut.

Berbeda dengan seniman-seniman besar lainnya, Millet berasal dari keluarga petani yang sederhana. Ia tumbuh sambil bekerja keras menggarap ladang keluarganya. Millet baru mempelajari seni lukis ketika berumur 19 tahun.

Kepekaan Millet sebagai seniman Realisme terbentuk dari masa-masa hidupnya di desa. Ia memilih untuk tidak mengikuti corak lukisan megah yang ditetapkan Akademi Kerajaan.

Setelah berkeluarga, Millet menetap di daerah Barbizon untuk beberapa saat. Ia juga sempat dekat dengan seniman-seniman Barbizon School seperti Theodore Rousseau.

Tapi selera artistik Millet membuatnya berbeda dengan seniman Barbizon School lain. Seniman Naturalisme dari Barbizon School berfokus pada lukisan panorama, sementara Millet lebih tergerak dengan kehidupan masyarakat kelas bawah.

Millet memandang dirinya sebagai bagian dari petani. Ia menjalani hidup secara sederhana, berkebalikan dengan pengaruh besar yang dimiliki karya-karyanya. Millet sendiri pernah mengungkapkan rasa tidak nyaman saat berada di lingkungan masyarakat kelas atas. Karena itulah ia memilih melukis hal yang paling dipahaminya, yaitu kehidupan para petani.

Dalam berkarya, Millet menampilkan para petani dalam nuansa yang mulia. Skala lukisan dan gaya yang dipakai Millet seharusnya dikhususkan untuk figur bersejarah, tokoh dalam Alkitab, atau pahlawan mitologi.

Pilihan artistik yang dibuat Millet sering membuatnya mendapat berbagai kritikan. Masyarakat di masa itu sangat sadar terhadap kelas sosial, ditambah lagi iklim politik Perancis  sedang tidak stabil. Banyak pihak menganggap Millet sebagai penganut aliran politik sayap kiri. Tapi pada dasarnya Millet tidak memiliki ketertarikan dengan ranah politik.

Sebaliknya, pengalaman tumbuh di keluarga yang cukup religius membuat karya-karya Millet memiliki akar keagamaan. Banyak lukisan-lukisan ikonik Millet yang menampilkan nilai keagamaan misalnya The Harvesters Resting (Ruth and Boaz), The Gleaners, dan The Angelus.

Walaupun mendapat ulasan yang beragam saat karyanya ditampilkan di pameran resmi Akademi Kerajaan, Millet menjadi tersohor sepanjang tahun 1860an. Ia mendapat pesanan dari banyak pihak, termasuk dari pemerintah.

Masa-masa tua Millet dipenuhi dengan kesuksesan finansial dan kepopuleran. Seniman Realisme ini menutup usia di tahun 1875 setelah kesehatannya menurun beberapa lama.

Lukisan The Gleaners (1857) dan Keterangannya

Lukisan The Gleaners (1857) adalah salah satu lukisan Millet yang paling dikenal.

Di saat Millet masih hidup, Perancis memiliki tradisi yang mengikuti anjuran Injil yaitu membiarkan sisa-sisa panenan jerami (disebut gleaning dalam Bahasa Inggris) tergeletak di ladang. Sisa jerami ini boleh diambil oleh para perempuan dan anak-anak miskin untuk dimasak.

Tema yang sangat dekat dengan kehidupan penduduk desa ini berkali-kali muncul di benak Millet selama 7 tahun ia bermukim di Barbizon. Millet merasa tema ini abadi karena berhubungan dengan cerita dari Perjamuan Lama.

Lukisan The Gleaners dipamerkan dalam Salon 1857 dan mendapat banyak serangan. Kritikus menilainya vulgar karena menampilkan potret kemiskinan rakyat desa dengan jujur.

Secara komposisi, karya Realisme ini menunjukkan sebuah sore di mana 3 wanita petani sedang mengumpulkan sisa dari jerami yang sudah dipanen. 

Kehidupan mereka yang miskin ditunjukkan melalui pakaian yang sederhana, kasar dan kotor.

Tangan terjulur ke tanah dengan punggung yang terlihat sakit

Masing-masing sosok wanita mengerjakan tugas yang berbeda. Wanita pertama mencari tangkai jerami, yang kedua mengambil butiran jerami, dan yang ketiga mengumpulkan semuanya.

Wajah mereka dilukiskan secara tidak jelas, menandakan sosok-sosok bisa berarti siapapun di masyarakat Perancis dan tidak spesifik kepada 1-2 orang saja.

Di latar belakang terdapat gerobak penuh jerami, sekumpulan petani lainnya yang menikmati musim panen melimpah, seorang tuan tanah yang menunggang kuda, dan desa di kejauhan.

Kontras antara latar depan yang berbayang dan latar belakang yang terang menggambarkan jarak. Penduduk yang miskin seolah ditinggalkan oleh penduduk lainnya yang makin menjauh. 

Sementara pria berkuda yang mengawasi panen menyimbolkan perbedaan kelas sosial dan bangsawan yang tidak perlu kerja kasar.

Jerami-jerami yang tertinggal dan berserakan di latar depan, berkilau bagaikan permata di atas tanah.

Penggambaran ini membuat orang yang melihat lukisan menyadari betapa berharganya jerami itu untuk para wanita tersebut, betapa sedikit yang mereka peroleh, dan betapa berat perjuangan yang mereka lakukan untuk sekedar bisa bertahan hidup.

Walaupun penuh dengan kemiskinan, Millet melukiskan wanita-wanita tersebut dengan kehormatan. Mereka menampakkan ketangguhan di tengah kerasnya upaya mereka. Sosok-sosok berbaju sederhana tersebut juga memiliki tubuh yang kokoh karena terbiasa dengan beratnya pekerjaan mereka sehari-hari.

Lukisan The Angelus (1857-1859) dan Keterangannya

Lukisan The Angelus menampilkan 2 orang petani kentang dengan kepala menunduk. 

Sang pria memegang topinya, dengan sebuah garu tertancap di tanah. Sang wanita menyatukan tangannya untuk berdoa. Di belakang mereka terdapat gerobak dengan karung hasil panenan kentang. Sebuah keranjang berisi kentang terletak di antara pria dan wanita itu, dengan kentang-kentang lain yang masih tergeletak di sekeliling mereka. Langit menampakkan matahari mulai terbenam, dan di kejauhan terlihat menara gereja di desa.

Pada desa Katolik Roma di zaman Millet, gereja akan membunyikan loncengnya di penghujung hari. Penduduk desa yang mendengarnya akan menghentikan pekerjaan dan memanjatkan doa Angelus.

Walaupun memiliki kondisi yang sederhana, perilaku pria dan wanita dalam lukisan tersebut menampakkan ketaatan. Baju yang sederhana dan bahu yang melengkung menunjukkan pekerjaan sehari-hari mereka yang berat, tapi sosok mereka yang berdoa menampilkan kesungguhan dan keanggunan.

Secara komposisi, The Angelus diciptakan dengan format yang biasa dipakai Millet. Subjek utama diletakkan di latar depan, elemen penyokong berada jauh di belakang, dan hampir tidak ada yang berada di antaranya.

Komposisi tersebut serupa dengan metode yang dipakai dalam karya Renaisans milik Leonardo Da Vinci dan Raphael. Tapi Millet membedakan karyanya dengan menatanya secara horizontal seperti sebuah panggung berisi aktor. Ini adalah teknik dari aliran Neoklasikisme.

Subjek petani kentang dalam The Angelus sudah pernah dibuat oleh Millet sebelumnya, yaitu dalam lukisan The Potato Harvest (1855).

Ia mengulang subjek itu karena lukisan ini sebenarnya adalah pesanan seorang pedagang seni dari Boston. Millet menambahkan gambar gereja di kejauhan dan mengubah judul lukisan setelah sang pedagang gagal membayarnya.

Walaupun menjadi lukisan Millet yang paling terkenal di kemudian hari, The Angelus pada awalnya tidak mendapat sambutan hangat. 

Pertama kali dipamerkan pada tahun 1865, karya ini beberapa kali berganti pemilik tapi tidak mengalami peningkatan harga yang signifikan.

Sebagian orang menganggap penyuka karya ini membelinya hanya karena bersimpati pada Millet.

Sekitar 10 tahun setelah kematian Millet, barulah harga The Angelus meningkat tajam. Penyebabnya adalah pemerintah Amerika dan Perancis beradu penawaran dalam lelang karya seni.

Beberapa tahun kemudian karya ini terjual hingga 800.000 Franc (sekitar 12,5 milyar Rupiah).

Ketimpangan antara nilai lukisan Millet dengan miskinnya keturunan dari Millet adalah salah satu dorongan lahirnya aturan droid de suite.

Aturan ini menyatakan ketika sebuah karya seni terjual, maka keturunan dari sang seniman akan mendapat bagian dari hasil penjualan.

Dullah adalah salah satu pelopor aliran Realisme di Indonesia, sekaligus pelukis bersejarah di negara ini.

Dullah lahir sebagai anak sulung di keluarga pengrajin batik. Ia pertama kali belajar melukis pada umur 16 dari S. Sudjojono dan Affandi.

Pada saat ibukota Indonesia dipindah ke Yogyakarta, Dullah mendirikan kelompok Seniman Indonesia Moeda (SIM) bersama Sudjojono.

Kelompok ini diserahi tugas mendokumentasikan perjuangan penduduk Yogyakarta semasa Perang Kemerdekaan dalam bentuk lukisan.

Lewat kanvas, Dullah menampilkan berbagai peristiwa bersejarah dan kejadian memilukan dari masa sebelum Indonesia merdeka. Lukisan Persiapan Gerilja hingga saat ini masih dipajang di Istana Kepresidenan Bogor.

Berkat lukisan-lukisan pertempuran gerilya Perang Kemerdekaan Indonesia, nama Dullah mulai dikenal. Ia pun mendapat sebutan “Pelukis Revolusi”.

Setelah masa kemerdekaan Indonesia, Dullah menorehkan berbagai pencapaian besar:

• Dullah dan rekan-rekannya dari Asosiasi Pelukis Muda diberi kepercayaan dari pemerintahan Indonesia yang baru saja berdiri. Mereka ditugasi menciptakan poster, lukisan dinding, dan gambar-gambar tentang perjuangan kemerdekaan Indonesia untuk menjaga semangat revolusi tetap membara di masyarakat.
• Pada tahun 1950, Presiden Soekarno, menunjuk Dullah sebagai pelukis Istana Kepresidenan. Selama 10 tahun Dullah menjalankan tanggung jawab tersebut, ditambah lagi tugas mengkurasi seni rupa Istana Kepresidenan dan merawat Bendera Merah Putih pertama milik negara.
• Dullah juga ditugasi memperbaiki bentuk Garuda Pancasila. Simbol negara Indonesia rancangan Sultan Hamid III tersebut pada awalnya bertubuh manusia. Dullah mengubahnya menjadi bentuk burung yang dikenal penduduk Indonesia sekarang, berdasarkan arahan Presiden Soekarno.
• Dullah menyusun buku Lukisan-lukisan dan Patung-patung Koleksi Presiden Soekarno yang menjadi acuan untuk karya-karya seni bersejarah di Indonesia. Dari 4 jilid buku tersebut, Dullah mengerjakan 2 jilid pertama. “Buku-buku itu adalah dokumen tertulis pertama tentang seni rupa Indonesia,” kata Dullah.
• Tidak hanya menjadi pelukis istana kerajaan, Dullah juga merupakan pelukis pribadi sekaligus fotografer bagi Presiden Soekarno.

Selepas masa pengabdiannya di Istana Negara, Dullah menetap di Bali untuk mengajar seniman-seniman Indonesia yang lebih muda. Di masa tuanya, Dullah kembali ke kota asalnya, Surakarta, sebelum akhirnya meninggal di Yogyakarta.

Sebagai seniman, Dullah sangat konsisten. Ia tetap mempertahankan corak Realisme dalam karyanya, walaupun banyak seniman menganggap aliran ini sudah ketinggalan zaman.

Realisme sudah ditinggalkan oleh kebanyakan seniman Eropa lebih dari 100 tahun yang lalu. Sementara di Indonesia, Realisme dianggap tidak lagi sesuai zaman semenjak 40 tahun yang lalu.

Tapi Dullah mempercayai bahwa corak lukisan bergerak seperti halnya lingkaran kehidupan. Tren seni akan berputar kembali ke titik asalnya. 

1. Realisme bertema kenyataan yang sedang terjadi di masa tersebut, sementara Romantisme bertema adegan historis atau fiksi.

Seniman Realisme mengambil inspirasi dari apa yang terjadi di masyarakat. Pelukis Romantisme memilih subjek karya dari mitologi, cerita Alkitab, atau dramatisasi adegan bersejarah.

2. Realisme mengomentari fenomena sosial politik, sementara Romantisme tidak.

Lukisan Realisme berangkat dari permasalahan di masyarakat, misalnya petani yang bekerja keras dengan upahnya minim. Masalah-masalah “dunia nyata” tersebut berusaha disampaikan kepada golongan masyarakat lain untuk dilihat. Sementara karya Romantisme tidak pernah mengangkat masalah “rakyat biasa”. Adegan dalam Romantisme didramatisasi untuk menanamkan pesan moral seperti heroisme dan patriotisme. Karena itulah berbagai seniman mural zaman Renaissance memilih Romantisme untuk ditampilkan melalui teknik lukis tembok.

3. Realisme menunjukkan subjek secara jujur, sementara Romantisme mengubah subjek menjadi bentuk ideal.

Seniman Realisme melukiskan masyarakat kelas bawah sebagaimana mereka terlihat: dekil, lelah, kurus dan berantakan. Sementara pelukis Romantisme menampilkan subjek lukisannya sebagai pria yang gagah dan wanita yang resik cantik.

1. Realisme menggambarkan hal yang “nyata”, sementara Surealisme melukiskan hal di luar kenyataan.

Seniman Realisme melihat apa yang terjadi di sekitarnya dan menyampaikan realita tersebut apa adanya. Senirupawan Surealisme berusaha menyampaikan realita kehidupan melalui tampilan yang mistis dan aneh, seolah ingin menarik pengamat lukisannya masuk ke dunia lain.

2. Realisme bersumber dari dunia nyata, sementara Surealisme bersumber dari diri pelukisnya.

Lukisan Realisme menampilkan sosok dan peristiwa yang memang ada di masa tersebut (kenyataan objektif). Sebaliknya karya Surealisme mengekspresikan filosofi dan perasaan sang seniman berdasarkan teori bawah sadar dari psikoanalisis Sigmund Freud. Pelukis Surealisme mempercayai interpretasi mimpi dan mengeksplorasi sudut-sudut gelap pikiran lewat lukisannya.

3. Realisme bersifat sosial, sementara Surealisme bersifat personal.

Lukisan Realisme bertujuan menyampaikan pesan sosial atau mengomentari fenomena yang ada di masyarakat. Karya Surealisme bertujuan mengaktifkan pikiran bawah sadar manusia dengan menggunakan gambar/lukisan.